sábado, 26 de diciembre de 2015

Pleités o el inicio del sueño



Todos, todas se estaban mudando al sueño. La realidad ya no era suficiente, se había agotado el sueño anterior. Un sueño puede servir para varios meses, pero no más, había que llenarse de nuevo, el pueblo ya estaba agotado: la silla era silla y la risa simple risa. El sueño se había secado y cada cosa se contraía como el ojo de un pez muerto. Las calles eran más polvorientas y el cerro miraba a la distancia, hacia otro lado, ya no miraba el sencillo ir y venir de los días. Sí, se necesitaba más cosas para vivir y esas cosas ya no estaban en la realidad.

Era entonces que llegaba el Cine Pleités a Sabanagrande y el parlante anunciando la función de estreno sacaba a los niños y niñas de la duermevela y algo comenzaba a cambiar esa semana.
¡Una semana entera! ¡Una semana entera podrá ver al sensacional Santo luchando contra las momias de Guanajuato! ¡Venga a Cine Pleités y traiga su silla a las seis en punto de la tarde, hoy sábado!
Pleités -el apellido sonaba a alguien relacionado con el mundo de las estrellas-, era un señor risueño que cargaba su proyector de cine a través de los municipios del sur de Francisco Morazán. Lo venía haciendo desde principios de los sesentas pero mis amigos y yo, de unos ocho años, alcanzamos a verlo ya en su etapa final a mediados de los ochentas. Su llegada no había perdido la magia. Sólo contábamos con dos canales de televisión y no siempre había permiso para ver tele por más de una hora. Nos atragantábamos con las pocas películas o pichinguitos que alcanzábamos a ver y eso nos duraba por muchos meses: El Curro Giménez, El Tesoro del Saber, Sport Billy y las caricaturas de la Warner Bross. Pero era Pleités quien traía la mística, porque en algo ayudaba que la función comenzara a las seis de la tarde, justo cuando el sol se apagaba y así, el mundo entero, la realidad entera era una enorme sala de cine que apagaba sus luces y daba pasa al delicioso sonido del carrete que comenzaba a correr. Era como escuchar la primera lluvia, como agarrar un viejo peine y llevárselo al oído recorriendo sus dientes con una cuchara.

La sala de cine era un corredor de la vieja casona de la Licenciada. Ella se lo alquilaba a Pleités. Una casona del siglo 19, alta y desvencijada, con baldosas de barro y un solar antiguo que daba miedo. Olía a excrementos de gato pero ya en el corredor, apretujados, eso pasaba a ser complemento que ahora se vuelve indispensable en la memoria. Las profesoras Lila, Engracia, Luz, Adalúz, Cholina y Maruca –mi abuela- ya ocupaban su primera fila junto a Pacita, doña Matilde, mi tías Lauren y Olga, Trinita, Tanchito –mi tía cantora- y mi chicharachera tía Pocha Caballero. Pero la función alcanzaba su máxima solemnidad cuando Monseñor Evelio Domínguez llegaba con su sacristán de turno cargándole la sacra silla. Era un momento de silencio y extraño regocijo espiritual con aires muy familiares. Dejábamos de pellizcarnos y de alborotar y mirábamos cómo su eminencia, entre las sombras, ocupaba el mejor ángulo. Y así comenzaba el sueño, entre mordiscos a los crujientes pastelitos de perro de Betsabé, entre palomitas –pop corn- semi quemadas y el rasgado sonido de los anticuados parlantes. 

Yo no sabía aún de Cinema Paradiso pero juro que hasta el loco del pueblo estaba ahí, callado y con una sonrisa de arrobo porque había entrado, a último minuto, Rosita Galindo con la suprema belleza del pueblo en aquel entonces: Milagrito. Milagrito con sus vestidos primorosos y su belleza de los años cuarenta. Los niños imaginábamos que era Milagrito quien se enamoraba del poderoso Santo –que terminaría transmutándose en uno mismo en el posterior juego- y que era ella a quién debíamos ir a ver con sonrojo a la hora de ir por zapatos a la tienda donde ella ayudaba a doña Rosita, la aristócrata anciana que, al percatarse de nuestro alelamiento, nos daba un par de reprimendas secas y nos despachaba con los zapatos nuevos envueltos en papel periódico.

Por un par de horas, todos reíamos y quedábamos temblando cuando las momias salían de sus catacumbas, pero los gritos de alegría eran más cuando el Santo lograba apartar de su cara los murciélagos de plástico y propinaba el uppercut preciso en la mandíbula de un muerto viviente. Sabanagrande desaparecía y la carreta bruja podía esperar un rato más en la esquina del manguito o en Las Tres Cruces camino al cementerio. Ese era el momento en que nos aprendíamos todas las fintas y los diálogos para después llevarlos a la práctica envueltos en sábanas o con una máscara de papel cubriéndonos la cabeza. La función terminaba demasiado pronto. Los 20 centavos no daban para más. ¡Atención niños y niñas! ¡Mañana estaremos presentando Súper Ratón!, era el propio Pleités el que nos despedía en la puerta de la casona seguro que mañana volveríamos.

Todos regresábamos a casa cargando la realidad de una silla pero ya bien cargados de sueño. La breve mudanza de la aventura, la sigilosa mudanza de piel, el héroe, el malévolo científico trastornado, Milagrito mirando un instante  nuestros ojos en torbellino… regresábamos a casa y la casa ya no era simple, la oscuridad ya no era el patio con su árbol de ciruelas japonesas, el cerro había vuelto su rostro hacia nosotros y la infancia era de nuevo infancia. Yo ponía en mi oído un peine de plástico y rozaba sus dientes con una cuchara. Escuchaba el sonido del proyector. Entonces, dormía.


F.E.

lunes, 14 de diciembre de 2015

Paseo Real de las Chimeneas Gigantes, Trinidad: un purgatorio para la marca país - fotos: Fabricio Estrada

5:30 de la mañana
me levanto de la cama
voy con un gomón de miedo y con un fuego en la garganta.
7:30 vamos sueltos
una dosis de alimento:
una coca, una semita y un royal...*

Todos estamos preparados para irnos a quemar algo. Desde hace quince años se arma la ruta hacia Trinidad, Santa Bárbara, un peregrinaje irrenunciable que nos reúne desde todos los rincones de Honduras para presenciar una de las tradiciones más enigmáticas de nuestra identidad. ¿Quemar lo que tanto cuesta? ¿Quemar la belleza? En un país de fuegos cruzados es casi preferible tomar la conciencia de un bonzo e inmolarse sin que nadie venga a ponernos su cerillo encima.

Llega el bus. Todo el equipo está acomodado y los guancascos ya eligieron asiento y chiste para acortar distancias. Pavelín, Pavelón, Wilmer, Carlitos, Marianito, Marlon, Yemil y Cristian -se quedó el Memo-, van hablando de todos los discos posibles, de las versiones de tal canción o de los arreglos que preparan para el otro concierto, quizá algo de Pink Floyd -aunque siempre hay un pincelazo de Pulse en ellos- o un homenaje a Facundo Cabral, que sé yo, qué saben ellos, las canciones van a ir moviéndose en su túnel del tiempo y el Sargento Pimienta se irá agregando como siempre, sin condimentar demasiado. Café Guancasco, o el encuentro de Pavel Núñez y Pavel Cruz, apareció en escena precisamente en Trinidad, en la dinámica que fue atizando por igual el Colectivo de Poetas Paíspoesible junto a Meme (Délmer López, director de Teatro La Siembra), y por eso se vuelve tan significativo ir a cantar en este tedeum fogoso para los 15 años del Paseo Real de las Chimeneas Gigantes, que este año llevó como tema: Peligro de Extinción, en atención al cambio climático y a la destrucción humana al ambiente y hábitat de las especies.
Café Guancasco.

Yo voy por las fotos. Esta vez no leeré ante los públicos de las aldeas y del casco urbano. No, esta vez llevo mi cámara y caminaré pendiente de toda pavesa.

No ha sido nada fácil mantener la tradición. Pasó el golpe de Estado, pasó el repliegue de patrocinadores, pasó de todo, incluso el intento de parar la quema llevada a cabo por la actual administración edilicia, quienes tuvieron que vérsela con la irreductible voluntad de Teatro La Siembra, quienes, en protesta frontal, cargaron con los armatostes de las enormes esculturas y las plantaron frente al edificio de la alcaldía. El pueblo entero se puso en pie de lucha, de nuevo, una lucha que por segunda vez defiende su patrimonio artístico-cultural. La primera fue el día del golpe de Estado, cuando medio pueblo se fue a la posta a rescatar a sus teatreros. Sin dudarlo un instante, fuero ellos los que salieron en la primera resistencia al golpe y fueron ellos, los que una vez rescatados de la cárcel, crearon aquel gorila inmenso para quemarlo. ¿Que cómo bautizaron al gorila? Goriletti, por supuesto. La multitud completa rodeó esa noche al Goriletti y del aquelarre surgió el grito que en toda Honduras se gritaba: el pueblo unido jamás será vencido. Esta vez, seis años trancurridos desde ese atorrante día, cambió en algo el grito, pero en esencia el fuera joh que se gritó llevaba la misma música de Café Guancasco de fondo y la misma algarabía que siempre triunfa sobre las graves disposiciones del totalitarismo.

El poeta Samuel Trigueros junto a Délmer López, director de Teatro La Siembra.


Un espíritu liberador es entonces la quema de las Chimeneas. Un postulado al desapego, antítesis de la acumulación de bellezas coleccionables que el poder y los valores capitalistas promueven cada treinta segundos a través de la mass media. El mundo es imposible, déjalo ir, parecieran escribir las llamas en la noche profunda de Trinidad, y Verlaine, en algún horno del purgatorio poético se sonríe junto al poeta Rigoberto Paredes que, con seguridad, recordaba ese verso cada vez que regresaba a su pueblo y miraba el destello de lo efímero.







Pero sigamos un orden, cosa casi imposible entre la multitud que se mueve de arriba abajo entre el asombro y el selfie. Las mujeres más bellas del país se cuidan de no ser tomadas por una belleza más a ser incendiada esa noche. Son decenas de muchachas bellísimas las que confirman que Trinidad sigue siendo una asombrosa fuente de indecisiones a la hora de elegir qué priorizar con la cámara.

Continúo. Aparto la disgresión.

¿De espíritu público hablaba? Pues bien. Se hace obvio luego de muchas pruebas a lo largo y ancho del país, que el espíritu público del actual gobierno promueve un repliegue acelerado de las manifestaciones populares, ensañándose -sobretodo- con aquellas donde el pensamiento artístico puro se concentra en lo que mejor sabe hacer: liberar espíritus. Cerrar el Ministerio de Cultura y transformarlo en una dirección ya es suficiente discurso; socavar paulatinamente la posibilidad de que los egresados de la ENBA (Escuela Nacional de Bellas Artes) sean considerados profesionales y que, para el futuro, se circunscriba la educación artística a la esfera exclusiva de las instituciones privadas (nueva Ley Orgánica de Educación) le pone cereza a mi argumento. Eso sin contar con el intento de tasar los espectáculos como teatro, conciertos de trova, lecturas de poesía, foros, talleres, etc., la regulación de la música entre los jóvenes y la promoción masiva de eventos folclóricos que promuevan el insustancial orgullo-catracho. Los organizadores deberían luchar para que Las Chimeneas se conviertan en Marca País -alcanzó a escuchar el poeta Samuel Trigueros (importante colaborador artístico de La Siembra) de boca de una bella jovencita-, tal vez así nos paran bola. Y no está muy despistada la reflexión tomando en cuenta que la concentración y promoción de productos artístico-culturales de este gobierno pasa por herrarse la marca país en el brazo: un reloj de Comayagua marcapaís, una playa en Trujillo marcapaís, un delfín de Roatán marcapaís, una chiringo marcapaís, pero nunca un fuego desencadenado que entre chispas y antorchas monumentales los señale desde el noroccidente hondureño. Of Course.












Café Guancasco ya cantó la del bus. Délmer ya entregó todos los reconocimientos. Ahora toca la hora del encendido y el ritual del teatro previo al atizado. Todos callan. De escultura en escultura la gente se va dorando y abriendo la boca. Hay una expresión de súplica honda antes de que el actor en zancos arremeta con sus antorchas. Se escucha el deslizar de las miradas por cada animal. El jaguar y el tigre se defienden y el venado gigante baja la testuz en espera de las llamas. Y de pronto estalla la piromanía más desquiciada, todo mundo regresa a su neanderthal más privado y grita, suspira, piensa, reflexiona. Ya que no nos dan para hacer arte aquí les damos arte a otro nivel y se los quemamos antes que vengan a ofrecer dinero para coleccionarlo o para ponerlo en un parque en espera de la lluvia desintegradora... así dice la enorme bandera invisible que flota sobre la hoguera... todos lo saben luego de que el signo fuera sembrado hace 15 años, luego que el signo creciera y se hiciera fuerte e imbatible.









Los armazones van quedando expuestos. Ennegrecidos esqueletos y la ceniza cae como nieve de sueños. Una nieve oscura que casi bendice, una ceniza que se multiplica como la memoria de Trinidad y de Honduras.

Si naciera y viviera de nuevo
gritaría unas cuantas blasfemias
quemaría todas mis mudadas
de esa ropa de marca importada...
...robaría el fuego a Prometeo.**




Esa es la que nos cantamos al regreso. Antes del silencio de los Guancascos.



Fabricio Estrada
Trinidad, Santa Bárbara
Diciembre del 2015

* El busero, Café Guancasco
** Renacimiento, Café Guancasco

miércoles, 9 de diciembre de 2015

Del CSS Virginia-Merrimac al USS Zumwalt


Cuando los confederados reutilizaron el casco del hundido USS Merrimack y le dieron vuelta, pensaron con total agudeza, sin duda. Era el año 1862 y la guerra civil estadounidense estaba en su fase más creativa en cuanto a soluciones armamentísticas. Con esa premura y creatividad endiablada que da toda guerra, fue construido el CSS Virginia, y por supuesto, los de la Unión le opusieron el USS Monitor (más pequeño y atrás en la ilustración) para que se le enfrentara en la batalla naval Hampton Roads, que resultó ser la primera batalla entre acorazados en la historia.


En este 2015, y ante las constantes multi- guerras en que está involucrado Estados Unidos, pero más por la nueva escalada inventiva armamentística que imponen China, Rusia, Francia, Gran Bretaña y Suecia (sí, Sverige, la suave y nevada Sverige), fue botado el USS Zumwalt, en un diseño furtivo y velocidad claramente exponencial al CSS Virginia-Merrimack, por supuesto. A un costo de 7 millones de dólares, es capaz de actuar como buque de apoyo a operaciones de gran envergadura con misiles y transporte de tropas. La gran paradoja: lo más adelantado vuelve a las líneas originales de diseño, así que no hay que dudar en dar puntadas de refuerzo, ir, temporalmente hacia atrás, una vez que se piensa demasiado a la hora de acometer el futuro.

martes, 8 de diciembre de 2015

Ogum’s toques negros: el derecho a la invención - Ronald Augusto, Brasil



Hace más de treinta años – un poco más, un poco menos – se organizan y publican antologías de escritores negros brasileños. Muchas de esas obras también han sido ó son editadas en el exterior, unas financiadas por universidades, otras por firmas editoriales atentas al mercado. Grosso modo, la literatura negra de exportación ha despertado el interés de lectores de Estados Unidos y de Alemania. La atención para esa producción proveniente de parte de pesquisidores, académicos y lectores obstinados, sea del área de estudios culturales, sea del área de la literatura propiamente dicha, renueva el apetito inventivo de los escritores ya conocidos y de los que se encuentran aún en sus primeros movimientos. Por otro lado, es notable cómo esas recurrentes colecciones, dependiendo del parti pris de lectura del organizador, sirven tanto al mantenimiento y a la consagración de nombres y temas relativos al asunto, como proveen nuevas perspectivas interpretativas al propósito de las fuerzas involucradas.

Desde la década de 1980, acompaño el surgir y la continuidad de esas antologías. Tomando como puntos de referencia  de ese recorrido libros como A razão da Chama (1986) y O negro escrito (1987), ambos organizados por Oswaldo de Camargo, pasando por las perdurables colecciones auto-gestionadas de los Cadernos Negros (copyright Quilombhoje, de 1978 hasta ahora) y llegando a la monumental obra Literatura e afrodescêndencia no Brasil: antología crítica (Ed. UFMG de 2011, que además de una centena de escritores negros, reúne 61 investigadores de 21 universidades brasileñas y extranjeras), arriesgo afirmar que, en buena medida, lo que se está tratando en esas obras es el esfuerzo de establecer, a partir de la deferencia, de un territorio escritural étnico-político en el cuerpo mismo de la literatura brasileña. En éste sentido es que muchas veces nos referimos a una “vertiente negra en la literatura brasileña” como si fuera una suerte de contraveneno.

Digamos que hasta Literatura e afrodescendência no Brasil (debido a su alcance la obra tiende a ser plural) me parece que el trazo distintivo de tales antologías es el de adecuación de los textos negros a la construcción del concepto. Los poemas, la mayor parte de las veces, siempre combativos, conforman una secuencia discursiva. En esas colecciones, los escritores presentan temas y lances textuales que denuncian un punto de vista culturalmente identificado a la afro-descendencia. Las voces textuales se diferencian más en el tono de que en las formas expresivas. Por eso mismo, la lectura de algunas de esas antologías, me causa la reiterada sensación de cosa vista y repetida al extremo. El tono del colectivo se proyecta sobre la irreductibilidad y lo idiosincrático de lo individual. Sin embargo, la poesía  tiene a ver más con el disenso de que con la necesidad de estrechar filas.

Y es la actitud crítica e intrépida en relación a eso,  que me agrada en la colección poética Ogum’s toques negros (2014). Identifico en el conjunto cierto astillar, la noción de que la supuesta unidad esencial de la producción negra en ámbito literario puede revelarse en verdad un espejo roto cuyos fragmentos constelares jamás se unirán. La colección organizada por Mel Adún, Guellwaar Adún y Alex Ratts  nace sobre el signo estético de la transnegresión, es decir, esa palabra-montaje creada por el poeta Arnaldo Xavier que a través de ella reivindicaba el derecho a la invención para la producción de los artistas negros, pero no en desmedro del texto contundente que pretende responder al horror de lo real; no. El lema transnegresor  subyacente a la colección Ogum’s toques negros convida  al lector a percibir que la autonomía estética y la radicalidad expresiva no excluyen la denuncia ni la problematización del racismo mientras perspectivas literarias y que, por lo tanto, las formas significantes no visan llenar vacíos  con esperanza de vislumbrar una cohesión original e inescapable entre los escritores.

Ogum’s toques negros relaciona algunos veteranos de la literatura negra (Éle Semog, Miriam Alves y José Carlos Limeira) con jóvenes poetas dispuestos a fastidiar  las piezas de ese ajedrez de tal manera que el tablero adopte otra configuración y nos predisponga a nuevos movimientos. En esa perspectiva, llamo la atención del lector para algunas transnegresiones, de determinados trabajos de la colección,  llevadas a cabo por eses autores en la estructura compositiva: evoco, por ejemplo, los poemas de Ari Sacramento que cantan a la musa homo-afectiva en pauta coloquial-irónica o satírica,  la reversión intertextual producida  por Mel Adún en ese canto paralelo que es su poema “Vou me embora para Oshogbo”  y donde devora por dentro la mítica “Passárgada” de Bandeira; los filosofemas   de la deriva en la poesía de Dú Oliveira que se entrega a los seixos  (guijarros) silenciosos del tiempo; los versos (des)medidos, libres hasta la médula del rebuscamiento métrico de Alex Simões; el puño sereno y contenido con que Henrique Freitas aprieta la caracola del poema, sus cortes concisos; la desmesura determinada, el poema a los saltos, los negros espacios infinitos del canto de Guellwaar Adún; las ofrendas a la manera de poemas de Lívia Natália, versículos expansivos resueltos en firme imaginación; y por fin, los nombres en sí, la escasa adjetivación, el poema sin parábola, sin inútiles curvas, las palabras con que Alex Ratts fabrica su concentrada narrativa y que forman la propia imagen-pensamiento de lo narrado.


Hay otros poetas en la colección y que no son desdeñables, entretanto yo no podría dejar de destacar aquellos que me parecen los más relevantes, teniendo en vista –por así decir-  la perturbación del acervo. Asumo mis opciones sin problema. Que el lector se sienta cómodo para reflexionar y replicar con relación tanto a los demás escritores reunidos en la colección, como a todo lo que afirmé temerariamente en ésta reseña.  Entonces, interrumpo por aquí mis comentarios con la convicción de que ese mismo lector cumplirá su parte en el juego estético-crítico leyendo, espero, el libro en causa y formando sus propias conclusiones.

[1] Ronald Augusto es poeta, músico, letrista y crítico de poesía. Entre otras obras, es autor de:  Confissões Aplicadas (2004),de Costas (2012), Decupagens Assim (2012), Empresto do Visitante (2013) e Nem raro nem claro (2015). Despacha en blog www.poesia-pau.blogspot.com y escribe quincenalmente aquí http://www.sul21.com.br/jornal/

martes, 1 de diciembre de 2015

Avecillas - Fotos Fabricio Estrada






No me había percatado. Hasta ayer. Las palomas vienen cada mañana a deslizarse al tragaluz. Creí que eran mis ganas de volver lúdico el inicio del día pero, al verlas aterrizar una y otra vez en permanentes revoloteos, me di cuenta que el juego ya lo tenían ellas sin necesidad de mi incrédula observación humana. Las esperé, hice la prueba y me di cuenta, por igual, que en la imagen se desplegaba un viejo pergamino que hacía que la cámara, más que captar una escena, dibujara como en los viejos manuscritos chinos. En segundos quise creer que lo era... y el vuelo firmó lo demás.

domingo, 29 de noviembre de 2015

Un nuevo ojo para Polifemo

Fractura - Fabricio Estrada


Le doy la bienvenida a mi Nikon D7100. Luego de 6 años con la Sony Alpha 200 es lógico que me tiemble un poco el pulso ante la enorme posibilidad que me da esta cámara -incluyendo su video HD y su wifi- con todos sus 24.1 megapixeles.
Los lentes son una maravilla (18-55 y 55-300) pero definitivamente no podré usarlos con la desenvoltura con que he usado la Sony en la calle hondureña, casi en un ejercicio de corresponsalía interna y riesgosa que, en los últimos meses, he logrado camuflar con la adquisición del practiquisimo lente .50, que ha hecho más discreta la silueta de la vieja Polifemo. Comienza, entonces.

domingo, 22 de noviembre de 2015

Strip Tease, bajo el poder del vacío activo

Las sillas ya están ahí. Su discurso lleva ya más de 15 minutos y no ha comenzado la función. Es la espera y así comienza a revelarse el tótem ¿Se descansa en ellas? ¿Se tortura en ellas? ¿Sirven para una coreografía clásica de un night club fino? Las puertas ¿quién entrará por ellas si acaso no son ya el otro lado y somos nosotros los que estamos tras bambalinas? Ya expuesto el espacio del poder –porque el poder es un espacio de movimiento- cuando los actores aún están ausentes con toda y su tensión halando cada fibra de un espectador impaciente. Todo espacio de poder es la antesala de un acto donde pronto dilucidaremos qué papel hacemos en él, pero mientras esperamos entenderlo y verlo nada se ve con los ojos si no que con la confrontación de nuestros propios abismos que, al ser espejos oscuros e insondables, nos repiten y nos contradicen. ¿Llevamos todos y todas un corazón doble de madera que en cada latido desesperado va adquiriendo la forma de dos sillas que a nadie esperan?

Así comienzo a ver Striptease, antes del inicio en que los actores José Luis Recinos y Jean Navarro estelerizan a Hombre 1 y Hombre 2 –pasmosa cosificación binaria, tanto como una programación informática-, dos ciudadanos modelos y ausentes que de pronto caen a una grieta “histórica” donde se les va revelando los mecanismos de su determinismo individual y colectivo, el acercamiento brutal que anula las distancias auto-controladas del ser confortable y que les muestra sin maquillaje –y sin traje- el terror de ser “lo otro”, lo mismo, lo pusilánime.

Llega un punto en que, al no revelarse de manera inmediata el por qué se encuentran en el limbo, Hombre 1 y Hombre 2, comienzan a indagarse sobre cómo llegaron a este doloroso proceso de revelación, “Nuestra dirección original fue completamente alterada”, recapitulan aterrados al cotejar, el uno con el otro, el cómo salieron de sus casas con toda normalidad y en dirección al trabajo hasta que llegaron a ese espacio. “Yo me dirigía… “ dice Hombre 2 y ahí comienza el horror de no saber a ciencia cierta si él realmente fue quien tomó la decisión de ir hacia una dirección pre-determinada, así como la humanidad misma ha creído que la civilización tiene un camino señalado hacia el progreso, la felicidad y la libertad, nodos esenciales del discurso político totalitario. El esfuerzo de comprender es tal que su mismo cuerpo revela –a través de las más extremas muecas y convulsiones- la anulación y el absurdo de ser una encarnación humana sin sentido, exigida hasta los límites. Esta representación es la que define, a mi parecer, el principio de la obra: el poder del vacío activo. Un vacío que es significado por la especulación, un poder crecido por la fascinación, un poder que puede ser revelado en el escenario como una simple mano que viene y da órdenes puntuales para despojarnos de todo sin resistencia alguna, en definitiva, un poder que nosotros mismos le hemos dado la voluntad de castigarnos por el simple hecho de existir para él.

¿Hubo en algún momento una dirección original hacia dónde dirigirnos? ¿Qué cosa era la libertad hacia donde nos dirigíamos? Escrita y montada para el contexto político de la Europa oriental durante el llamado socialismo real –épocas de disidencias igualmente activas-, la obra del polaco Slawomir Mrozek ha sido montada por el Maese Tito Ochoa con Teatro Memorias, traspolándola a la grave situación hondureña en la que vemos, aturdidos, el ascenso cínico de una dictadura formal donde el supuesto orden y sin alteraciones da argumentos para el despojo –por no decir saqueo- de todos los simbolismos que hacían de la ciudadanía una progresión hacia lo aparentemente civilizado.

¿Estaremos dispuestos a entregarlo todo bajo la apariencia de conservar la supuesta dignidad moral y cívica que se exige de todos y todas en todo momento a través de la propaganda y la coacción de la fuerza militar y tecnócrata? “Todo esto es muy cierto”, grita Hombre 2 mientras Hombre 1 le responde “Lo peor es esta incertidumbre”. El totalitarismo -vacío portentoso- viste y desnuda sin darnos la cara, aunque en esta puesta en escena los actores sean conocidos por nosotros, anden por la calle, coman, nos hablen pero ya puestos en el escenario de la fascinación se conviertan en nuestros sádicos opresores.


Fabricio Estrada
Noviembre, 2015

EN ESTRENO en Tegucigalpa,
DEL 19 DE NOVIEMBRE AL 12 DE DICIEMBRE.
TODOS LOS JUEVES Y VIERNES 7:00 P.M
SÁBADOS 4:00 Y 7:00 P.M

sábado, 21 de noviembre de 2015

Entrevista a Fabricio Estrada, sobre Houdini vuelve a casa - Yonni Rodríguez

Entrevista realizada por el periodista y poeta Yonny Rodríguez, Honduras.




http://buzonderodriguedades.blogspot.com/2015/10/los-anos-y-el-constante-escribir-no.html

Video Fabricio Estrada en el FIPCR 2015


Video promocional que se grabó en Teletica para el XIV FIPCR, octubre 2015


https://www.youtube.com/watch?v=Wi8-mOh1UdA

"La poesía es un laboratorio del lenguaje" - Entrevista a Fabricio Estrada, EFE, Costa Rica

El siguiente, es el enlace hacia esta entrevista que di durante el XIV Festival Internacional de Poesía de Costa Rica.

Para el poeta, en Latinoamérica faltan autoridades culturales y educativas más "sensibles, menos nefastas y menos vanidosas" para impulsar la poesía desde los niños, así como rescatar y destacar el papel de los poetas.

http://www.wradio.com.co/noticias/sociedad/hondureno-fabricio-estrada-quotla-poesia-es-un-laboratorio-del-lenguajequot/20151011/nota/2965953.aspx

Houdini vuelve a casa o la vida como exilio - Néstor Ulloa

De izq. a der.: Néstor Ulloa, Salvador Madrid, Fabricio Estrada.

El querido poeta Néstor Ulloa me envía esta apreciación sobre Houdini vuelve a casa, mi último poemario. Gran parte de esta interpretación fue la que sustentó la presentación que Néstor hizo en Gracias, Lempira durante la lectura que realicé junto al poeta Salvador Madrid y él. 


De más está referirse a la espectacular capacidad de Harry Houdini para llevar a buen término un sinnúmero de actos de escapismo que, aún hoy en día continúan sorprendiendo a la humanidad. Metido en sacos, ataúdes, cajas; atado con sogas o cadenas, era como si ninguna cerradura, ningún candado, ningún artilugio diseñado para contenerlo hubiera podido resistírsele. A Houdini sólo la vida misma logró contenerlo, sólo de sus propias cadenas y candados, que cual constrictores al servicio del destino fueron silenciosamente haciendo su trabajo, le fue imposible escapar. Ese último acto de escapismo de Houdini, aparentemente fallido ―y digo aparentemente en función de la línea de este texto― simbolizó más que sólo la muerte del ilusionista; represento en realidad el más grande acto de escapismo, a la luz de la poesía que analizamos, aunque los candados no fueran abiertos por el maestro.
Fabricio Estrada hoy nos presenta su más reciente poemario: Houdini vuelve a casa. Este es un trabajo poético de impecable manufactura, templado a la luz de la hoguera del tiempo y con la rigurosidad que toda obra de creación requiere.
Comenzaré por decir que el texto es una unidad estructurada por una dualidad que es tan inherente al ser humano como lo es el bien y el mal, y me refiero a la dualidad             vida-muerte y en medio o alrededor de ella, la idea del exilio. El solo título ya nos remite indirectamente a esta idea del exilio que he señalado, a través del regreso. Por milenios, la humanidad ha construido todo un imaginario mítico-religioso sobre la premisa de que venimos de un lugar distante, quizá de otra dimensión en el plano metafísico, y que estamos en este mundo de paso, como si de un curso de perfeccionamiento se tratara, para luego volver al sitio al que en verdad pertenecemos.
Fuera de pretender ser una declaración de intenciones, ese es, a mi juicio, y haciendo un uso irrestricto del término, la fábula  que rige el poemario. Poemario que se presenta como una suerte de cuaderno de instrucciones, una bitácora de códigos que permite una           (re)lectura de la vida y sus avatares; los trucos de ilusionismo, si así lo queremos ver, porque
“…la vida era sólo una pausa
del implacable fragor del poema
del irrenunciable estallido del poema
solo pausa la vida
un lento movimiento
que conduce invariable hacia otro poema…”
(p. 28)
Este “otro poema” del que habla el poeta es y será siempre una incertidumbre, una apuesta necesaria, una puerta más por abrir o por cargar en la espalda, en el proceso de vida de todo individuo.
Y en esta suerte de bitácora de códigos que digo, coincido con el poeta Daniel Matul, en su nota introductoria del poemario, en cuanto a que es la palabra la que se presenta como la clave para encontrar el camino; la palabra nos desnuda ante la verdad y nos muestra la equivocada concepción del mundo que hemos tenido, pues nos permite “…entender el accidente/ que hizo de la estrella/ una mala metáfora de lo infinito…” La palabra poética se presenta como tabla de salvación,  pues el poema es una entidad
“que se yergue
que se hunde
y mientras tanto aparece
queda su viento para habitarlo
su sol
su inminente presencia para respirar
e intentar el siguiente acto.”
(p. 28)

En esta dualidad vida-muerte que he apuntado, la vida se presenta como un conjunto de actos, similares a un show de escapismo, en donde uno tras otro, el individuo (es decir, el escapista, el Houdini que todos llevamos dentro), se pone a prueba a sí mismo para lograr desatar ese “universo de nudos” del que habla el poeta y que se lleva a cuestas como sino trágico, no sólo en el plano cronológico, sino visto como una suerte de quipus que cuentan la historia personal de cada uno en este mundo; un mundo que se presenta como el espacio físico en donde, a pesar y con conocimiento o no de ello, tiene lugar ese exilio que representa la vida:
“cada vez el mundo
retorna del viaje al que no has ido.

De algún lugar somos desplazados.

De algún exilio hemos regresado.”

(p. 34)

Y este exilio del que de alguna manera vamos regresando, casi sin saberlo, ha sido fríamente calculado, por el destino quizás, aún a despecho nuestro y puesto en claves que es necesario descifrar:
“los planos se despliegan
y en ellos nadie explica
dónde se borran las líneas
o dónde comienza el filo
de este papel imaginario
que me tocó en suerte vivir.”
(p. 20)

Y entonces, cuando se llega a este nivel de conocimiento, es la palabra la que se vuelve río para mostrarnos otro mar y otras profundidades, como bien lo señala el poeta; es la palabra la que se vuelve la clave que resuelve el misterio, la llave maestra que abre todas las cerraduras, el movimiento de contorsionismo que nos permite (re)conocernos y desatar todos los nudos para comprender que:
“Las cadenas sólo fueron metáforas,
serpientes de ilusionista,
pretextos para burlar la vida.”
(p. 55)


El libro, en definitiva, es un viaje de regreso a los orígenes, un viaje para el que hemos andado con una puerta atada a la espalda, esperando el momento preciso para abrirla y liberarnos en el último acto, con el último nudo que soltemos, un día cualquiera. Y entonces, por extraña que parezca, del otro lado de la puerta, en el espacio del último nudo desatado, la muerte adquiere la dimensión de SER: un ser necesario para poner punto final al exilio ―que no significa el fin de la vida— y dar inicio al verdadero regreso a casa: el volver a la materia primigenia.

N.U.

viernes, 20 de noviembre de 2015

Espejo De La Ciudad

El siguiente es un cuento inédito de Rigoberto Andrés Paredes Vélez. Advierto, nada más, que la realidad siempre es más compleja que la imaginación, que apenas se puede, con la imaginación, dar un esbozo de lo que somos como seres. Lo publico en este blog como un reflejo de ese espejo que somos, roto para algunos y con el rostro disperso.


Espejo De La Ciudad.
Rigo Paredes Vélez
“A nadie le está dado recorrer más que una parte infinitesimal del Palacio”
BORGES, El Oro de los tigres


Tiene dos nombres. Uno se lo han dado su madre y padre. El otro es plural,  y se lo ha ganado,  cambia según la estancia donde se encuentre, mientras recorre el Palacio: bifurcado incontables veces, incorpóreo, infinito.

La niña apenas alcanza a extender la mano lo suficiente para que la señora la sujete de la manga. Avanza con pasitos firmes por las calles chorreadas de hollín y aceite, nudosas y serpenteantes de nuestra Tegucigalpa, calles que le han enseñado mucho; el nombre y rostro de cada penuria, si bien  aún no los del desamparo. Se detienen; la calle adelante está inundada por la lluvia de la noche. Los vecinos evalúan los estragos, la madre considera cómo seguir. La niña se distrae observando el extenso basural en las aceras del Guanacaste, adivinando qué aliento se esconderá ahí, bajo el refugio del cartón y el periódico desechado. Entonces su mirada se cruza, por casualidad, por primera vez, con la de debajo. Perpleja, se detiene a ver el suelo de nuevo. En el charco, le devuelve la mirada, un rostro: en apariencia, idéntico al suyo, pero sombrío, los ojos apagados, inquietante de una manera invisible pero sensible. Luego consideraría que el reflejo que ve en ese momento no es su propia cara, sino la de la ciudad: Tegucigalpa, y su extraña sed de olvido, y oculta mucho más de lo que muestra. Pero la señora ya la hala de nuevo del brazo, y sigue con su pasito firme y alegrón, caminando entre los humores que se alzan de la calzada, el sofocante olor cruzado de los sueños a fuego lento y de la plegaria perenne.

Esa noche, en sueños,  vuelve a vivir el encuentro con su réplica oscura del subsuelo; la visión se seguiría repitiendo recurrentemente, su significado imaginado cada vez un poco mejor. Ser perseguida por este espectro enigmático que se oculta en su propia efigie no le molesta;  las manifestaciones que podrían perturbar y aterrar a un adulto no son más que una diversión para un infante, y ella acoge cualquier diversión que la distraiga de una vida marcada por los rigores de la iniquidad.

El Reflejo no muestra sino el propio rostro, enturbecido, pero poseído de una intensidad insondable. Uno se ve figurado no como un cuerpo, sino como un abismo, un hoyo en el espacio que tiene la propia forma. En cierta forma, el Reflejo encierra nuestra naturaleza hondureña: estirpe en perpetua fuga, en perpetuo exilio autoimpuesto. Sin la capacidad o la voluntad de redimir la deudas que nuestro duro pasado nos ha dejado hacia nuestra tierra, huimos de nuestra historia: por no poder borrarla, preferimos consignarnos nosotros mismos al olvido, aniquilar ese puente que nos une con el ayer. Escapamos, físicamente si es posible, de nuestro origen; cuando no nos atrevemos a dejar la tierra, la cancelamos, fingimos que ese origen no nos pertenece, imitamos culturas distantes para despojarnos de ese legado insoportable.

Pero el Reflejo no es más que una máscara; lo que está detrás la niña solo puede intuirlo, de una manera gutural: con la práctica, el secreto se vuelve cada vez más inteligible. Lo que se esconde  detrás de la máscara es más o menos comprendido por muchos, incluso trivial para otros. Para una niña de entendimiento inocente, en cambio, sus consecuencias no son fáciles de asimilar en base a las pocas experiencias que ha tenido en la vida, y lo mucho que se le oculta, por no juzgarla preparada. La máscara resguarda una criatura de nuestra conciencia colectiva; en otro tiempo podría haber sido adorada como un dios, su figura erigida en estelas de piedra junto al sol, los mares y el maíz, en el nuestro, no ha corrido mucha suerte. Hoy, que la niña lo escruta, lo concibe vagamente como que sería el espíritu de Tegucigalpa. Su imaginación no le es piadosa; se le figura como un animal funesto, lastimero, sometido y explotado. No por ello deja de exigir sacrificio;  cada pecado y perversión de la Gestalt de nuestra nación se paga duramente en su altar. Tiene mandíbulas que consumen constantemente el vicio, tragándose enteros los corazones plagados de los hombres que se entregan al olvido en su órbita; tiene un devenir preparado para cada suerte de hombre que en ella mora. La niña no llega nunca a descubrir el suyo en la visión, pero no es difícil de estimar. Una estrechez perpetua de oportunidades, un acomplejamiento continuo bajo la presión de satisfacer miopes convenciones sociales, un embarazo temprano, una pareja ausente, fracaso en titularse, dócil servilidad dispensable.


Pasa el tiempo. Los sueños con el rostro se convierten en un recuerdo. Otras cosas suceden. Ahora un amor por los libros surge en la pequeña. Le gusta el olor dulzón y mustio de sus páginas viejas y amarillentas. La tienta, pero se contiene, probar su sabor. Es suficiente con que aquellos objetos tengan ya la virtud de  estimular sus otros cuatro sentidos: aparte de su aroma, el placer de leerlos y admirarlos, de oírse recitarlos si le place, de sentir su materia texturada y relajante bajo el tacto. Crece; de disfrutar de las clásicas historias de los hermanos Grimm y Las Mil y una noches, pasa a entenderse con Conan Doyle, Poe, Shakespeare y Borges. Se abstiene de Rowling, pero lee dos novelas de Coelho y abjura del resto. Así encuentra un refugio, de los crecientes humos de Tegucigalpa, de su agitación neurótica, de su parálisis mortecina, de sus mantícoras y el triste espejismo de la corrientona polis latina hundida como un iceberg en un mar de miseria, con su pequeña punta de abonanzados sin fuero emergiendo sobre el agua.

Reensaya su primer encuentro con el Palacio. Abre un libro a la mitad; partido en forma de V, e la entrada y la primera bifurcación. Elegir un punto en una página marca la siguiente: un antes y un después. Cada camino tomado, cada opción, cada idea, cada palabra es un nuevo nodo, nuevas posibilidades que se multiplican en un fractal perpetuo.


Y sonríe, porque sabe que ahora se adentra en ese camino de crecimiento, imaginación y ambición, tutelada por las voces de la Historia, sabe que ya no caerá en ningún destino truncado como el vaticinado por un reflejo negro y vacío, años atrás, en el agua podrida de un charco en el Guanacaste; destino al cual todas las circunstancias de su vida en este duro país se conjuraban para conducirla, y sobre las cuales ella, que se cree aún tan débil, prevalecerá cuando tantos han sucumbido.




Rigo Paredes Vélez
Tegucigalpa, 1987, diseñador gráfico. Ha participado en exposiciones colectivas en su país y en exposiciones virtuales. Participó en la cuarta pared del CCET y he enviado sus obras a varios certámenes nacionales e internacionales. Su obra aparece en su blog 
www.eleos-arte.tumblr.com

lunes, 16 de noviembre de 2015

Paris vaut bien une messe - París bien vale una misa

Foto: Robert Doisneau


Hollande ha dicho: Francia está en guerra.

La declaración es taxativa. El casus bellis está ahí, pero ¿a quién le declara la guerra? ¿Con quién está en guerra? Es demasiado fácil responder que lo está contra El Daesh o contra ISIS o contra lo que resta de Al Quaeda o contra el Boko haram, todas esos nombres impalpables a excepción de los 25 mil enlistados de manera convencional -ejército regular- que tiene ISIS sobre lo que han pre-figurado como Califato.

Pareciera que la vaga declaración Francia está en guerra sigue la lógica de lo que los radicales fundamentalistas islámicos ponen sobre el tapete: acciones ubicuas y omnímodas, pero si se va en busca de transparencia y polos a tierra, pensemos un momento en las doctrinas militares imperialistas seguidas hasta el momento: ataques con drones propagandeadas como "de bisturí" e incursiones sangrientas de unidades especiales militares en bodas tribales - campesinas, hospitales, refugios alrededor de  todo el planeta como "acto preventivo", o en el más clásico de los casos, movimiento de misiles ICBM para cercar a Rusia, a China y a Corea del Norte. Así, lo taxativo se vuelve casi existencial, como decir el alma humana está en guerra ¿quién está en guerra entonces? ¿El mundo? ¿Occidente? ¿Nuestra civilización?

"No podemos decir que ésta es una guerra de civilizaciones porque el Daesh ha demostrado que no tiene ninguna civilización... nosotros somos la cuna de los derechos humanos, la cuna de la República", esto puede resumir en algo la posición de contraataque francés, que es en sí el de la OTAN, pues para lanzar sus primera andanadas, la Fuerza Aérea Francesa ha tenido también que no reconocer que el territorio sirio al cual ataca forma parte del Estado de Siria con un presidente, guste o no, llamado Bashar al-Asad.

Es el mismo desconocimiento mutuo, entonces, la misma posición asumida por medio mundo árabe en cuanto la existencia de Israel o de los valores culturales occidentales entramados dentro del mundo árabe por la dolorosa historia en Beirut, en Casablanca, en Damasco, en Bengazi, El Cairo o en cualquier otra mezcla de civilizaciones que permitió que fueran los doctores islámicos los que resguardaran para todos y todas el legado disperso de las obras científicas y literarias del mundo greco-latino.

Declararle la guerra a la nada es declararle la guerra a todo. Cualquier punto de esa nada -parodiando a Giordano Bruno- puede considerarse un ataque al todo. El terrorismo -que también es una acción de ataque a la nada y que implica desconocer- puede adquirir mil formas y suposiciones basadas en la escalada moral que adquiere con lo de París una segunda gran etapa desde los ataques al World Trade Center. Las dos Repúblicas ejes de la dinámica occidental por fin alinean sus astros y se duelen con la misma intensidad. La pregunta será entonces ¿Será ya la chispa de ISIS-Daesh-Al Quaeda-Boko haram una constelación mayor, por supuesto, a dos astros?

En la famosa polémica entre los franceses Sartre y Lévi-Strauss se podría encontrar el cimiento académico que luego, como cada hecho del pensamiento, ha ido convirtiéndose en arsenal teórico de políticas guerreristas:

Sartre: Estudiar al ser humano como si la vida humana en sociedad fuera la de una colmena o una colonia de hormigas equivale a no estudiarlo del todo, o dejar fuera de consideración lo esencial.

Lévi Strauss respondió: Pretender introducir el concepto metafísico de libertad en un mundo que está regido por leyes precisas e inmutables lleva, ineluctablemente a desembocar esta pretensión en una espiritualidad sin fundamento.

Mientras reflexionamos sobre este profundo debate entre estos dos colosos del academicismo occidental las bombas y asesinatos indiscriminados continúan. París bien vale una misa, pero ojalá no sea la misa fúnebre de esta etapa humana.

F.E.

viernes, 13 de noviembre de 2015

Noé Lima, El Salvador - Erosión

Foto: Fabricio Estrada.

Desacralizar los cristales de la poesía, mover la sintaxis hacia las calles donde, contra las paredes, rompe el verso en su ola oscura. Tantos años lleva Noé en su periplo que su valiosa carga ya domina el arca entera: un motín permanente de palabras fieras, un apareo constante que multiplica nuevas formas en su personalísimo lenguaje. Pienso en su oficio como él piensa en Roque. Pienso que su arriesgada confrontación con la academia le ha dado un ritmo imbatible, que no tranza, que puede estar haciéndose frente a nuestras propias narices cuando hablamos o cuando el lenguaje que nos rodea -en los sonidos de los disparos, en las botellas que se rompen en los cráneos, en la crepitación de los cuerpos desnudos- se vuelve textual sin ningún aviso. Ese lenguaje de "escombros" que le citaban a Panero, los residuos psíquicos que no impiden amar aun y cuando todo se ha ido al carajo, como en una balada de rock duro sonando en la madrugada, esa conformación del signo en su caos natural, ese desprecio por las construcciones sublimes que ve en los abrazos delicados los muñones del mutuo destace amoroso, eso es lo que siempre he sentido en Noé Lima, desde que el viaje nos puso en camino y coincidiendo en las fronteras, dentro de los autobuses que sin saberlo ha contratado la poesía para llevarnos.
Esta es una de las voces más incómodas de Centroamérica, una de las más auto afirmadas en su búsqueda estética. Toda la vibración de su ser está en sus poemas y no podremos encontrar a un Noé diferente a lo que ya está escrito y deriva en ellos. La paloma que regresa de tierra firme siempre trae en sus poemarios una delgada navaja en lugar de olivos.
Los siguientes textos forman parte de su poemario Erosión:


Poema de amor III

Mujer
tus ojos tienen el tamaño de los peces muertos
tu herencia de tintero dentado
a la hora de escribir sobre tu piel ahogada

estás muerta

tus pies tienen el peso del barro
esa hilera de penumbra cuando caminas

estás muerta desde aquel poema
con muñones de cristal
rodando por el laberinto carnoso de tu voz

lo estás cuando cierras tus pestañas
de escama tibia
al derribar mi nombre con tus gestos

lo estás desde el día
en que te volviste una con mi carne.


Erosión I.

De las mejillas descienden nuestras heridas
nótalo
cada marca es un espejismo.


El aspirador.

La asfixio terapia le llaman

Consiste
en apretar el cinturón sobre el cuello
esa delgada navaja de la muerte
cortando el aire de algún cisne
como cuando te torturan con una bolsa
llena de polvo en tu interior
cubriéndote la cabeza

las palabras
apenas digitan la condensación
en el plástico para hablarle a la muerte

las hace flexibles

como a unas piernas
al momento del coito
entornando las islas sueltas
de los muros con la mirada perdida

nunca he aprendido a sujetar bien
esos sueños descalzos
de mi amante
la primera vez mis manos eran pañuelos
mordidos por este sudor necio
que me acompaña cuando me exalto

la asfixio aspiradora de ángeles
desembocando la distancia
entre dos puntos
la vida
y la tierra

siempre que la uses
resbala como un pez
afuera del espejo que te sonríe
no vaya a ser que la espesura del agua
deje de tensar ese tatuaje
que olvidaste acabar
antes de matarte.


Roque Dalton.

Este día
antes de dormirme pensaba en él
en Roque

pensaba en cómo pudo ver la muerte
el peso de la bala en forma de lágrima
tatuada en la pared

es imposible
-lo juro-
domar las ojeras de las velas
al leer sus poemas
cuando se está solo
y la tinta se traga el latido del café

no dejo de pensar en la bala que lo mató
una bala con erecciones
una bala muerta de tedio a la hora de cegar
la mirada
pesada como un aullido

todo el día pasé pensando
lo que pudo escribir
en ese poema tullido por el frío
por el hueco eterno en el estómago
-miedo le llaman algunos-
otros le llamarán silencio
como cuando la mirada cae dispersa
sobre la noche
como rocío flácido
en los senos de la mujer amada
cuando vas a penetrarla por primera vez

antes de acostarme
he pensado más en su poesía
y en lo mucho que mis amigos quieren volver a matarlo
como un parpadeo en la neblina
pegada sobre los muros
que llega y se evapora

es difícil no pensar en él
cuando en el barrio escucho un balazo.


Poema de amor IV.

Tus ojos son dos ampollas de morfina

me invitan a dormir
a perderme en esa bandada de aves negras
en que se convierten tus pestañas

son mis somníferos de lujo
los que abrazan mi cadáver
que ronca violines volantes

tus ojos son bebibles
el arcano lacrimógeno del agua
para usarse en una manifestación

son agitadores
perversos
voltaicos
cuando deciden abrirse
para que vea la luz en tu cuerpo desnudo
convertido en tintero
para limpiar las llagas solares de mis dedos
con tus tatuajes

tus ojos pueden drogarme
hasta la muerte.


Indicio.

La medida de tu cuerpo
Cabe en los poros del papel
Te preguntas
Tocándote el ombligo
Desatando toda la arena de los mares
Las axilas transparentes como una cárcel

La medida de tu cuerpo
Meditas
A la deriva de las palabras
En una pálida vena
La jodida vena de todos los poemas
Regados en la cama
Debajo de ella
Esparcidas en lo cotidiano
En el guardarropa
En los anticonceptivos
En el bolso
En los escaparates
Chorreados por la guillotinada azul
De los inviernos

La medida de tu cuerpo
Te preguntas
En la vegetal semilla de los parques
El oído dormido de algún astro
La ronca pupila que no duerme
En el oscuro pizarrón del silencio

Apenas duermas entenderás
Que siempre fue la extensión de algún poema
Que no terminaste de escribir.


Un hijo de puta especial.

Una página en blanco es un tigre
te dices cuando la tormenta se asoma
viéndote de reojo en el esqueleto tibio de la ventana
mientras escribes sobre el odio
en tus retinas

te tomas el pulso
ingrávido de tanto odiar a los demás

odiás el periódico con sus clasificados
de putas baratas en la colonia Escalón
la muerte del chico  con síndrome de Down
asesinado por los pandilleros

odiaban su sonrisa de cuchara brillante

odiás
y sos un hombre que ama los niños
que se comen las uñas en cada frontera
como la espuma de los mares
que viste al insomnio
a la hora de beber la ira desde el poro del papel
convertido en tren
calle
latido
a la hora de esconderte de una balacera

el odio es una vértebra antiséptica
distinta cada día

sos un hijo de puta especial

las mujeres doblan sus párpados
como persianas viejas
a la hora de llamarte a cada rezo
en cada pedazo de muerte bajo la sábana
cuando bajas al péndulo de su vagina
para medirle el tamaño a todos los astros

un hijo de puta especial te llaman
y aun así
no aprendes a mudar de piel cada mañana.



 
sbozo biográfico

Noé Lima, nace el 21 de noviembre de 1971, en Ahuachapán, El Salvador. Sus inicios dentro de la poesía y las artes plásticas se dan a la temprana edad de 10 años. Incursiona por igual en la música rock. Tallerista. Ha publicado Erosión, Editorial x, Guatemala 2015, Un insecto empalado en tu seno, Proyecto editorial la chifurnia, San Salvador 2015, Efecto residual, Ediciones mundo bizarro/el barco ebrio, Guatemala 2004, TECPÁN lugar donde duerme la campana del amor (antología grupo literario Tecpán, Universidad Dr. José Matías Delgado), Ediciones Delgado, 2001.